Month: April 2014

EL VIENTO SE LEVANTA. DEBEMOS TRATAR DE VIVIR

El director japonés Hayao Miyazaki se despide del cine de animación por todo lo alto, brindándonos una auténtica Obra Maestra, de las mejores que ha realizado durante su trayectoria en Studio Ghibli. El título de la misma está extraído de un poema del francés Paul Valéry, y en la cinta adquiere un poderoso significado: y es que, a pesar de todas las adversidades que nos aguardan en la vida, tenemos que Vivir.

Se ha dicho que esta es una película inferior a otras obras del autor. Bajo mi punto de vista, esto es un craso error. Creo que hacía mucho tiempo que no veía una película de animación que fuese tan poderosa y tan bella como esta. Como afirmé en el artículo especial sobre Miyazaki, ninguna de estas películas tienen nada que envidiarle a Pixar, y desde luego, El Viento se levanta especialmente. De hecho, afirmo con rotundidad, que esta película es la segunda Obra Maestra que veo este año. Y ya llevo dos Obras Maestras que no son americanas, sino procedentes del continente asiático. Va a ser verdad eso que dicen algunos de que Hollywood está en decadencia…

Lo cierto es que no me acordaba de que esta maravilla había estado nominada en la edición de los Oscar de este año. Bueno, sabemos que se lo llevó Frozen, la de Disney. No la he visto, pero desde luego, estoy plenamente convencido de que no llega a la de Miyazaki ni a la suela del zapato. Que conste que me encantan las películas de Disney, las hay mejores y peores como en todos los géneros, pero el hecho de que se haya despreciado absolutamente esta magnífica última obra del creador de Mi vecino Totoro, solo es una prueba más de lo ignorantes, inanes y vendidos que son los académicos americanos. Por si alguien no se acuerda, ya lo recuerdo yo, esos mismos que premiaron la estupidez de 12 Años de Esclavitud sin haberla visto. No me lo invento, salió la noticia publicada en varios medios, solo hace falta consultar a San Google.

Esta vez, Miyazaki ha escogido una historia real, pues los acontecimientos narrados y los personajes son reales, aunque por supuesto y como siempre suele suceder, con ciertas licencias. Aunque sea una película de animación, que nadie se lleve a engaño. No es una película para niños. Miyazaki tiene otras cintas que son encantadoras y destinadas al público infantil, pero esta nueva sin duda no lo es. Nos adentramos en el Japón de la Era Taisho (1912-1926) en la que vive nuestro protagonista, un joven llamado Jiro Horikoshi, al que le encantaría ser piloto de aviones. Pero Jiro tiene problemas de visión, pero esto no va a ser un impedimento para él. Por lo que, aunque no pueda pilotar un avión, nada le impide diseñarlos. Junto con su predecesor italiano, Gianni Caproni, ambos cumplen un sueño común, superando numerosos fracasos.

“Los aviones no deben usarse para la Guerra ni para ganar dinero. Los aviones son sueños. Y los Ingenieros los convertimos en realidad”

Jiro tiene un enorme talento, lo cual le permite llegar a trabajar en la compañía Mitsubishi, donde crea el avión Mitsubishi A6M1, más conocido después como Caza Zero, el modelo de avión que utilizarán los japoneses en el ataque a Pearl Harbor. Pero sin duda, hay algo que marca a los personajes de esta película, y es una enorme sensación de estancamiento, que es la metáfora perfecta para reflejar la situación política y social del país, mucho más fuerte que la tienen en la actualidad. Miyazaki nos hace un recorrido por diferentes asuntos que lo reflejan: el terremoto de Kanto de 1923, la Gran Depresión, el desempleo, la pobreza, la tuberculosis, la supresión de la libertad de expresión y el fascismo. El propio Miyazaki afirma que con esta película no ha pretendido condenar la guerra, pero creo que ha conseguido justamente el efecto contrario, pues es sin duda uno de los alegatos antibélicos mejores jamás realizados. Pero además de esto, el Viento se levanta, es una historia de amor maravillosa entre Jiro y la dulce Nahoko, aquejada de una enfermedad.

Si hay una película que hay que ver por encima de cualquier otra ahora mismo, es esta. Pero no la recomiendo para todo los públicos, porque hay mucho cefalópodo mentecato carente de sensibilidad que lo único que hará será aburrirse, por lo tanto, solo la recomiendo para aquellos que sepan apreciar el buen Cine cuando lo tienen delante. Y sin duda, todos los que la vean, jamás se olvidarán de que el Viento se levanta y debemos intentar vivir.

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ESPECIAL HAYAO MIYAZAKI: EL VIAJE DE CHIHIRO/ MI VECINO TOTORO

Este fin de semana se estrena “The Wind Rises”, la última película de Studio Ghibli dirigida por Hayao Miyazaki. Decimos última porque este gran director se retira de la profesión. Esperamos que por todo lo alto. De momento, y con motivo de este acontecimiento, en Locosdelcine nos gustaría repasar algunos de sus clásicos. Seguramente, los grandes aficionados al Cine en general conozcan a Miyazaki y su obra, pero estoy convencido de que para la generalidad del público, es alguien poco conocido. De nuevo, nos encontramos con el asunto del marketing.

Si pensamos en cine de animación, lo primero que nos vendrá a la cabeza es Disney. Lo cual es muy normal. Fueron los pioneros en este género. En los últimos años, han ido surgiendo nuevas productoras que han ido rompiendo el monopolio que ostentaba el gigante de Hollywood. Por ejemplo, la asociada a Dreamworks perteneciente a Spielberg, los responsables de las películas de Gru, y mucho antes de estos nació Pixar, ahora perteneciente a Disney. Aunque en su momento estuvieron a punto de acabar con la fábrica de los sueños. ¿Alguien recuerda quien fundó Pixar? Pues se lo debemos a Steve Jobs. Sí, el mismo Jobs de Apple, un episodio de su legado que la mayor parte del mundo desconoce.

Pero EEUU no son ya los únicos que ostentan el poder de hacer buen cine de animación. De hecho, en España, con la entrañable Tadeo Jones hemos demostrado que no tenemos nada que envidiarles. Tal es así, que muchos especialistas del cine de animación que trabajan en Pixar, son españoles. Y ahora seguramente surja la pregunta: ¿Por qué no hacemos más películas de este tipo en nuestro país? Pues desconozco la respuesta, aunque si analizamos el entorno en que nos movemos seguramente lleguemos a conclusiones aplastantes.

Ni mucho menos podemos pensar que Miyazaki es un descubrimiento nuevo. Sus películas ya son de los años 80, y hacía mucho tiempo que no realizaba ningún film nuevo. Por el desconocimiento general que hay acerca de esta obra, seguramente su nueva película pase sin pena ni gloria por la taquilla, pero aquí vamos a rememorar algunos de sus clásicos para darlos a conocer. Porque no solo Disney sabe contar buenas historias para los niños.

EL VIAJE DE CHIHIRO

Pocos serán los fans de Miyazaki que no recuerden a la joven Chihiro acompañada por el misterioso Sin Cara. No he visto aun todas las películas de Miyazaki, pero sin duda, esta no es una cinta de animación tanto para niños como para adultos. Es una gran película del género. La amistad, el amor de los hijos a sus padres, la lealtad, la codicia, la gula, todos estos temas están presentes en un cuento fantástico que no dejará indiferente a nadie. Es la obra de Studio Ghibli más difícil de encontrar en el mercado doméstico.

Chihiro se traslada con sus padres a un sitio nuevo para vivir. Pero, a mitad de camino, se topan con un desvío que les lleva hacia el interior del bosque. Allí, encuentran unas misteriosas ruinas de piedra, que al atravesarlas, es como si les transportase a un mundo nuevo, repleto de magia, hechizos, misteriosos Dioses y viejas leyendas. Una disputa entre dos hermanas brujas es el centro de todos los acontecimientos. Una representa el Bien y la otra el Mal. Yubaba, la maligna, les roba el nombre a sus esclavos para así poder doblegarlos bajo su voluntad eternamente. Es una película muy buena, pero no me parece tan magnífica como siempre he escuchado decir a terceros. Personalmente, hay otra que me gusta mucho más. ¿Será porque ha logrado que me sintiese de nuevo como un niño?

MI VECINO TOTORO

Es la historia de dos hermanas, Satsuke y Mei, que se trasladan con su padre a la aldea de Matsugo, a una misteriosa casa cerca de un gran bosque, que muchos lugareños consideran encantada. Allí, la pequeña Mei, conocerá a los Totoro, los Guardianes del Bosque, que solo pueden ser vistos por los niños de corazón puro. Como decía antes, esta historia me gusta mucho más que el Viaje de Chihiro. Mientras la veo, me siento de nuevo como un niño, con muchas ganas de poder conocer a Totoro y subirme con él en el Gatobús y vivir diferentes aventuras.

Debemos hacer una clara distinción entre ambas. Claramente, el viaje de Chihiro tiene una mayor profundidad en su propuesta que el relato del tierno Totoro. Aunque esta segunda también esconde unos valores buenos: el cuidado y el respeto hacia la naturaleza, la amistad, el amor entre padres e hijos, la importancia de la familia. Y por otro lado, es un relato excelente sobre el miedo a perder a nuestros seres queridos.

Ambas son sin duda dos Obras Maestras del cine de animación, que demuestran que através de este estilo de películas también se pueden contar historias con un poderoso significado. Merecen un lugar muy importante en la colección de cualquier cinéfilo.

ANA KARENINA DE CHRISTIAN DUGUAY: EXCELENTE ADAPTACIÓN

Se trata de una coproducción española, alemana e italiana. Por nuestra parte, es el grupo Mediaset, concretamente Telecinco, la que ha puesto el dinero para llevar esta cinta acabo. Son tres horas magníficas, de las mejores películas  que se hayan hecho para la televisión. Al principio, afronté un poco temeroso esta experiencia, sobre todo tras haber leído la magnífica obra de Tolstoi, que es grandiosa no solo por la calidad de la narración, sino por su grosor. Podemos llamarla Novela Río perfectamente. Hace un tiempo, se estrenó en el cine una adaptación de este clásico, protagonizada por Keira Knightley y Jude Law. No fui a verla porque no me gustaba el aspecto que tenía en el tráiler, y porque me daba la sensación de que no se había respetado mucho el manuscrito original.

Con esta nueva, también al principio he tenido ese temor como bien he comentado. Un temor basado en mi percepción de que es un libro muy complicado de adaptar, debido a que es una historia que transcurre en períodos de tiempo muy extensos, y todo el texto es puro sentimiento. Es muy difícil transmitir sentimientos y que queden bien, de tal forma que el espectador conecte con los personajes al igual que conectaba cuando leía la novela. Además de que, con todos mis respetos hacia Tolstoi, el libro se me hizo un tanto pesado. Vamos, que si se hubiesen reducido un poco el número de páginas, tampoco habría pasado nada. Pero el caso es que, mi sorpresa ha sido grande al ver esta nueva producción, que engrosa una lista de numerosas adaptaciones de este clásico.

Todos sabemos o conocemos ligeramente el argumento de Ana Karenina, una historia de infidelidad, de un matrimonio nacido del desconocimiento mutuo y que poco a poco va haciendo aguas. No voy a pronunciarme al respecto de si  Karenin es malo o Ana es mala, porque no quiero crear ninguna discusión. Cada uno, que piense lo que quiera. Pero ante todo, esta historia, al igual que le sucede a Guerra y Paz, es mucho más que un culebrón romántico bien escrito, es un retrato de un país, de una sociedad, de una forma de ver y de sentir. La actriz que da vida a Ana, Vitoria Puccini, es magistral, además de tener una belleza casi felina.

Personalmente, el que menos me convence es el actor elegido para hacer de Conde Vronsky, el amante de Ana, interpretado por Santiago Cabrera. Muchos le conoceréis por ser uno de los protagonistas de la antigua serie Héroes, magnífica en su primera temporada, un auténtico desastre en las posteriores. A este dúo protagonista, les acompañan dos actrices españolas de renombre como Ángela Molina, encarnando a la madre del Conde Vronsky, y a María Castro, conocida por sus papeles de Sin Tetas no hay Paraiso, y en la actualidad por Vive Cantando. Esta película ha sido editada por Divisa Home Video, y es mi recomendación para este próximo fin de semana.

DIVERGENTE: ANÁLISIS DEL LIBRO

De nuevo, somos conscientes de que este es un Blog de Cine, pero como ya dijimos en otra ocasión, consideramos interesante añadirle un toque distinto, analizando las novelas que se adaptan a películas, especialmente para otorgar a los lectores una perspectiva distinta que les permita decidir con mejor Criterio si quieren ir a ver la película cuando se estrene. Sin otro particular, dejamos a continuación nuestro parecer acerca de este nuevo posible éxito juvenil.

La novela juvenil está muerta. No es una frase dicha por algún intelectual conocido ni nada, es de mi propia cosecha. Es una reflexión a la que llegué cuando finalicé la página 460 de Divergente, una nueva trilogía literaria impregnada de hormonas adolescentes. No vamos a analizar aquí la película por dos motivos: el primero, porque aun no la hemos visto. El segundo, porque no sabemos con certeza si la veremos, especialmente tras la lectura del libro. En algunas ocasiones he apuntado que me gusta mucho la idea de poder leer los libros antes de ver las películas, porque así puedo formarme una opinión lo más aproximada posible a lo que puedo encontrar en el film.

Ya hay algunas críticas por ahí que apuntan a que es una adaptación fiel. Sin entrar en este debate absolutamente manido y subjetivo sobre cuál es la mejor manera de adaptar un texto al lenguaje audiovisual, sí que hay algo que creo conveniente señalar respecto de Divergente. Y es que hay un tercer motivo que me impide ver la novela, y es que este libro es un producto nacido de la mezcla de varios existentes previamente. Imaginemos una enorme olla a presión en la que vamos metiendo ingredientes, los cuales son muy buenos por cierto. Introducimos un poco de Farenheit 451, la legendaria distopía de Ray Bradbury, luego metemos otro tanto de Orwell y su 1984; ahora, pasamos a poner en esa misma olla la recientísima Los Juegos del Hambre, aderezado con toques de Crepúsculo y su deprimente tenebrismo sentimental. Pero no basta con esto, pues también los ingredientes de películas como Matrix y Origen, son bastante atractivos, por lo que los metemos también. Mezclamos un poco, removemos, cambiamos, quitamos, añadimos y….¡TACHÁN! Ha nacido Divergente.

La esencia de esta historia, que para nada aburre dicho sea de paso, es muy simple. Mundo futuro distópico en el que la Sociedad está dividida en Grupos, cada uno de los cuales, está destinado a promover una virtud diferente del Ser Humano: Por ejemplo están los de Osadía, valientes a más no poder, y son aquellos que sirven para ser policías o soldados; luego tenemos a los de Abnegación, esos que son muy buenos y generosos, lo dan todo por los demás; también tenemos un Grupo social que parecen tener como maestro al doctor House, solo que tampoco les ha servido mucho su influencia para ser al menos más inteligentes, son los del Grupo Verdad, es decir, como diría un familiar conocido, “unos sinceros de los cojones”. Pido perdón por la expresión pero es la manera más clara de describirlos. Pero, para la inteligencia ya tenemos al grupito de los que se dedican a cultivarla. Y no me puedo dejar a los de Cordialidad, que sinceramente, pintan bastante poco en esta historia.

Más allá de lo que podamos pensar sobre la originalidad de la idea, nos damos cuenta de que todo se viene abajo como un castillo de naipes nada más empezar a leer. Y es que todo me suena demasiado a los Juegos del Hambre y a Crepúsculo. La autora de esta historia, Veronica Roth, tiene ahora mismo dos posibilidades. O bien pega un taquillazo que le suponga un aumento de ventas espectacular de sus novelas, o bien, esto se convierte en un fracaso de proporciones épicas. Sin desearle ningún mal por supuesto, en principio apuesto por la segunda opción, y espero equivocarme. Pero tengo la sensación de que no todos los jóvenes que conforman el público objetivo al que va dirigida esta historia son idiotas, y más de uno se podrá dar cuenta de que Divergente no es ni mucho menos algo que no hayamos visto ya con anterioridad.

Algunos incluso irán mucho más allá, y criticarán esta historia por su visión negativa sobre el hombre, cuya naturaleza no es precisamente ética, sino que tiende a la maldad. Un asunto que podría dar mucho de sí, y que en el libro no se le da demasiada importancia. El libro es un entrenamiento alargado para los Juegos del Hambre. Además de que la estética que podemos percibir es muy similar, al igual que la atmósfera típica de los relatos apocalípticos. De nuevo, los protagonistas son jóvenes adolescentes, especialmente la chica, Beatrice, nacida en el grupo de los Abnegados, pero que decide meterse en Osadía. A los 16 años, todos los chicos tienen que someterse a una prueba psicológica con la que establecen a qué facción son más proclives. Y es aquí donde empiezan los problemas para Beatrice, porque ella no da características de una concreta, lo cual, la convierte en Divergente, alguien muy peligroso para el Sistema dictatorial que dirige la sociedad. ¿En donde habremos visto antes esto?

Quizás he sido más benevolente con este libro porque no me ha resultado del todo aburrido y me he entretenido leyéndolo. Ya le vale con 460 páginas. Creo que además se podrían haber reducido considerablemente. Pero desgraciadamente, y siendo honesto conmigo mismo, tengo que decir que es un libro bastante mediocre y que está hecho absolutamente aposta para aprovecharse del éxito de otros que le precedieron.

AMAZING SPIDERMAN 2: PATÉTICA, PUERIL Y ÑOÑA

El año pasado vislumbre un pequeño haz de esperanza al ver la nueva película del hombre araña, en la que había cambiado absolutamente todo. Lo que se llama hoy día Reboot, que es comenzar una saga ya conocida de nuevo. Las tres películas anteriores de Spiderman, llevadas a cabo por Sam Raimi, rozaban el ridículo más espantoso, aderezado con un insoportable y nefasto Tobey Mcguire en el papel protagonista, y una pésima actriz llamada Kirsten Dunst que no podía ser más insulsa y repipi. Afortunadamente, James Franco pudo resarcirse de su patético papel de Harry Osborn, haciendo el reboot de la saga del Planeta de los Simios ( que es una auténtica maravilla) y convirtiéndose con el paso del tiempo en un mejor actor, porque en Spiderman daba auténtica lástima. Creía haber visto ya el máximo nivel de estupidez intelectual que se podía alcanzar con las adaptaciones de este superhéroe, pero lo cierto es que, el director Marc Webb y los guionistas Roberto Orci y Alex Kurtzman, confirman que estaba equivocado. Confirman que los records están para batirlos, y desde luego, cualquier aficionado que se considere como tal a los cómics en general no puede estar de acuerdo con este producto sobrepasado de azúcar y diálogos imbéciles y pueriles.

Ya se ha repetido hasta el astío el argumento de esta nueva entrega del trepamuros, por lo que no merece la pena volver a repetirlo. Conocemos de sobra a los villanos que aquí aparecen, y que son justamente los personajes que hacen un poco soportable esta película, que desde luego merece todos los antioscars que se pueda llevar una cinta. El otro día, leí un análisis realizado por una compañera dedicada a este oficio de la crítica de cine, y decía algo así como que “esta película da la sensación de ser otra cinta rutinaria de superhéroes”. Hay quien interpreta esto como una manera elegante de decir que la película no vale nada. Por supuesto que no es que no valga nada, es que reitero el asunto de que es un verdadero insulto a la inteligencia de un espectador medio, ya no amante de los cómics, sino también para alguien que no lo es. Siguiendo con el razonamiento de dicha compañera, lo que creo es que este petardo insufrible no se puede comparar ni mucho menos con cintas de superhéroes como Iron Man o el Capitán América. De hecho, hace tiempo que vengo sosteniendo la idea de que Kevin Fiege, presidente de Marvel Studios, debería comprar los derechos de personajes como Spiderman o los X-Men, continuamente maltratados. Porque, ya lo avanzo, preparaos para lo nuevo de X-Men, no invita precisamente al optimismo ni la esperanza, sobre todo teniendo en cuenta lo malísimas que han sido las últimas películas de esta saga, y sí, incluyo la de Primera Generación, un conjunto de incoherencias excesivamente larga.

Ya que menciono la duración. Resulta que cuando estoy viendo una película, un síntoma claro de que algo falla, es si no paro de moverme en la butaca buscando la postura adecuada que me permita resistir la sobrecogedora experiencia. Antes de que se me olvide, debo decir que Roberto Orci y Alex Kurtzman, guionistas a los que respeto entre otras cosas por la serie Lost, de mis favoritas, han logrado que me cuestione seriamente su labor como tal. Y desconozco el motivo de haber cambiado a los guionistas de la primera parte por estos dos individuos. ¿Decisión del Director? La confianza que había depositado en Marc Webb desde luego, se ha hecho pedazos, y si yo fuese jefazo de Sony, tras ver esto, estaría despedido y junto a él los escritores de dicho bodrio.

Lo que más me ha decepcionado de esta nueva de Spiderman, que tiene bastante poco de Amazing, y es más que nada una estupidez, es el maltrato hacia los villanos que salen en la misma. Porque, da la casualidad, de que Electro y Duende Verde, son de los enemigos míticos del hombre araña. Concretamente el Duende Verde, por cuestiones que no revelaré para aquellos que quieran ver la película. Muchos os preguntaréis ahora: ¿Pero es que no hay nada bueno en esta película?

Siendo benevolente, defiendo absolutamente a los villanos, Electro y Duende Verde, porque logran mantener la película. Jamie Foxx está genial en el papel del denostado ingeniero electrónico Max Dillon, un solitario que solo desea atención y no ser invisible para el resto. Y Dane Deehan en el personaje de Harry Osborn, magnífico,  logra ser un villano memorable al que despachan en poco más de diez minutos. ¿El Duende Verde despachado en diez minutos? ¿Cuántos cómics hay con este enemigo? Al menos parece que respetan un poco más a Electro, lo cierto es que los dos combates que hay contra este son los mejores momentos de un film de dos horas y veinte de duración que se hacen eternas. Desconozco si el problema ha sido incluir a tanto personaje, pero no lo creo, sino…observemos Los Vengadores, una muestra de que no es difícil crear un guión cohesionado, ágil y donde todos los personajes están perfectamente valorados, aunque claro, Tony Stark destaca siempre.

La acción y la adrenalina son sustituidas por una sucesión de encuentros entre Spiderman y Gwen Stacy, su preciosa novia, encantadora, mucho más que la pedorra de Mary Jane Watson, pero dichos momentos son como de película teenager cargada de hormonas. Particularmente estoy bastante agotado del tenebrismo sentimental de Crepúsculo. Yo creía que una película de este estilo necesita ante todo acción, intriga y aventuras…

¿Merece la pena ver Spiderman? Esto es algo que dejo a vuestra elección.

OCHO APELLIDOS VASCOS: MUY DIVERTIDA

Hacía mucho tiempo que una película de Cine patrio no me divertía tanto. De hecho, creo que esta es la mejor película española que se ha estrenado en los últimos tiempos, incluidas las denostadas cintas que participaron en los Goya, de las cuales, podríamos intentar salvar alguna por pura piedad, pero muy poquitas, si acaso una o dos máximo. Muchas veces hemos manifestado aquí que no es muy complicado hacer películas que la gente vaya a ver a las salas, sobretodo, dados los tiempos que corren con el tema de la piratería etc. Porque el éxito de “Ocho apellidos Vascos” es absolutamente merecido, y es la prueba palpable de que cuando una película es buena, el público acude masivamente a verla. Aunque bueno, hay ejemplos de esto que es mejor no recordar porque más bien producen un tanto de perplejidad pensar cómo determinados productos triunfan inmerecidamente en las salas, casos como el de Avatar o Gravity aquí no cuentan, hablamos de Cine bien hecho y que no insulte la inteligencia del espectador.

No voy a repetir el argumento de esta película porque prácticamente todos lo conocen. He tardado un poco en verla, pero nunca es tarde si la dicha es buena. Como ya digo, en este caso, la película merece hasta el último euro que se pueda pagar por verla. Los actores están fantásticos. Dani Rovira, en el papel de Rafa, es sencillamente genial. Es un actor de comedia nato, además, no solo por los diálogos, sino por cómo se expresa. Sus gestos, sus caras, hablan por sí solos a lo largo de todo el film. Rememoro especialmente esa escena de Rafa en el autocar entrando en País Vasco, sus ojos alucinados, temerosos observando el paisaje montañoso, adornado con rayos, truenos y una oscuridad que parece que nos vamos a adentrar en Mordor. Una escena muy simple pero que te hace reir durante un buen rato. Clara Lago en su papel de Amaia, definitivamente sublime como siempre. Esperamos que se aleje de proyectos destinados al público juvenil, que normalmente son insulsos y mediocres, y se adentre ya en papeles más serios, porque tiene un gran talento y desde luego, es la mejor actriz joven de cine español que podemos encontrar ahora.

Acompañados por Karra Elejalde, interpretando a Koldo, padre de Amaia, y la genial Carmen Machi haciendo de Merche, una mujer que se hace pasar por madre de Rafa, logrando un cuarteto de personajes entrañables que no nos dejan un respiro, esta cinta es una de las mejores experiencias cinematográficas que me he encontrado en los últimos tiempos. Habrá muchos preocupados por lo que se puedan encontrar en esta película. La cinta es una continua risa sobre los estereotipos que todos conocemos sobre vascos y andaluces. El humor que impregna el relato es elegante y mordaz sin caer en la zafiedad y la vulgaridad a la que nos tienen acostumbrados en otras ocasiones. No dejéis de verla.

LANZAMIENTOS DE ABRIL: GRANDES CLÁSICOS DEL CINE ESPAÑOL

Como ya os contamos hace unos meses, LocosdelCine estuvo en un evento dirigido por Mercury Films, la empresa de Enrique Cerezo, y Divisa Home Video, la distribuidora que va a editar durante los próximos meses numerosos clásicos del Cine Español, películas que permanecen en la  memoria colectiva por lo buenas que son. Muchos seguramente las hayáis visto todas, lo cierto es que para los que hacemos posible este blog, muchas de ellas son totalmente nuevas, y además nos recuerdan que hubo un tiempo en que se hacía en España un Cine pensado para el público. Aquí dejamos la lista de los lanzamientos que tendrán lugar en esta Semana Santa de Abril con el deseo de que las disfrutéis entre las producciones bíblicas típicas de estas fechas:

ANA Y LOS LOBOS (1972) dirigida por Carlos Saura

AVENTURAS DEL BARBERO DE SEVILLA (1954) dirigida por Ladislao Vajda

EL ESPÍRITU DE LA COLMENA (1973) dirigida por Victor Erice

¡AY CARMELA! (1990) dirigida por Carlos Saura

LA CIUDAD DE LOS NIÑOS PERDIDOS (1995) dirigida por Jean Pierre Jeunet y Marc Caro

DEPRISA, DEPRISA (1981) dirigida por Carlos Saura

EMBRUJO (1974) dirigida por Carlos Serrano de Osma

GOYESCAS (1942) dirigida por Benito Perojo

HISTORIAS DEL KRONEN( 1995) dirigida por Montxo Armendáriz

JAMÓN JAMÓN (1992) dirigida por Bigas Luna

LE SEGUÍAN LLAMANDO TRINIDAD (1972) dirigida por Enzo Barboni

LOS HÉROES DEL TIEMPO (1981) dirigida por Terry Gilliam

EL PODER DEL TAI CHI: SENSACIONAL HOMENAJE A LAS ARTES MARCIALES

“¿Quieres demostrar lo bueno que eres, Tigre?” le pregunta Donaka Mark (Keanu Reeves) al protagonista de la película, Tiger Chen, el último discípulo del Tai Chi Kung Long, un estilo particular de este Arte, que no solo sirve para hacer gimnasia, sino para algo más. Todo comienza con una pregunta simple, y una jugosa cantidad de dinero. “¿Por qué peleas tú Tigre? ¿Por dinero? ¿Por ti mismo?” Podeis pensar que se trata de otra de kung fu y que por lo tanto no merece la pena, pero de nuevo, se cometería el típico error que continuamente salpica a este género.

Keanu Reeves no solo interpreta al villano Donaka Mark, también se sitúa por primera vez detrás de las cámaras con la batuta de Director, y nos brinda un ejercicio excelente en cuanto a realización, puesta en escena y unos combates realmente buenos, aunque algunos si bien es cierto, perfectamente podrían sobrar a lo largo del film para poder haber ahondado en los aspectos filosóficos éticos que contiene esta historia. Porque, de nuevo, nos encontramos ante una historia en la que no solo hay buenas peleas para el deleite de los fans del Wu Xia, sino que los personajes tienen algo más. Son personas con una motivación. Toda la película se puede resumir en lo siguiente:

“Un Luchador y un Guerrero. A uno, le mueve la razón. Al otro, la Determinación. Lo difícil es saber quien es el Luchador y quien el Guerrero”

El Bien y el Mal. Cómo un Hombre de Honor puede también corromperse. Estos son los temas que nos propone la cinta, asuntos que ya se han tratado en otros films, por lo tanto tampoco podemos esperar un relato muy original, pero lo realmente bueno es lo interesante de sus protagonistas. Tigre Chen es ese hombre de honor, que busca el equilibrio en su vida, pero está profundamente dividido entre las enseñanzas de su Maestro, y las tentadoras ofertas de Donaka. Es ese Hombre que puede corromperse y elegir el camino de la autodestrucción, no solo de él, sino de todos los que le importan.

Donaka vemos que es un millonario, propietario de una empresa de seguridad. Por las noches, es el mayor organizador de combates ilegales. Y busca constantemente no un buen luchador, sino un buen Asesino. Busca alguien que se parezca a él mismo. Y encuentra similitudes en la figura de Tigre. “¿Sabes lo que eres Tigre? ¿Sabes lo que puedes llegar a ser?”. Donaka fue un buen luchador, pero se convirtió en un Guerrero, en alguien movido por la sed de sangre y la determinación.  ¿Logrará el Poder del Tai Chi vencer al Mal? Para averiguarlo recomiendo a todos que la vean porque es una buena película, y un buen homenaje al Género de las Artes Marciales. No os la perdáis.

ESPECIAL CINE DE ARTES MARCIALES (3): DRAGÓN (WU XIA)

Concluimos este Especial dedicado a las Artes Marciales hablando sobre una película ganadora de premios en los Festivales de Sitges y Cannes en el año 2012. Muchos se sorprenderán de que una cinta de este género reciba galardones tan importantes, seguramente sean los mismos que denigran este tipo de films. Y es que, como habéis comprobado a lo largo de estas entregas, las historias comentadas son muy especiales, porque tienen como elemento común los combates de kung fu, pero al mismo tiempo nos cuentan historias de la vida cotidiana, como en el caso de Duelo de Dragones, o relatos de carácter histórico, dándonos una perspectiva de la Guerra diferente, como en el caso de IP MAN.

Con esta última entrega que aquí comentamos, “Dragón”, nos situamos también en un período histórico concreto de China, durante el reinado de una dinastía de la que ahora no recuerdo su nombre. El relato nos hace viajar a una pequeña aldea, asaltada por dos asesinos y ladrones buscados por la Justicia. Uno de los habitantes de la aldea, un pacífico padre de familia llamado Liu Jinxi (Donnie Yen) les planta cara y logra acabar misteriosamente con la vida de ambos delincuentes. El tiempo pasa, y un inspector de policía veterano, de los mejores detectives que hay, llamado Xu Baiju (Takeshi Kaneshiro), viaja a la aldea para investigar tan insólito caso. Este inspector, como si se tratase de un Sherlock Holmes, utiliza las técnicas forenses más modernas para aquellos años y descubre que Liu Xinji no es el típico padre de familia, pues en el pasado, perteneció a la famosa secta de asesinos  “Los 72 Dragones”.

La acción y la emoción están absolutamente servidas desde este instante, pues su antigua “familia” tiene un gran interés en encontrarle, especialmente el Maestro de la secta, Tang Long. No es casualidad que las películas comentadas en estas entregas estén protagonizadas por Donnie Yen, y es que este actor se ha convertido en una gran estrella de este género en China. Actualmente, desde el gigante asiático, comienzan a hacerse inversiones económicas muy interesantes para realizar películas de este tipo. Poco a poco podemos comprobar cómo cada vez más, las estanterías de cine de acción vuelven a llenarse con producciones de artes marciales. ¿Seguro que es un género que está muerto como les gustaría a algunos? Afortunadamente no, y creo que en poco tiempo veremos su resurgir. Solo me queda desearos que disfrutéis de todas las películas comentadas a lo largo de estas entregas.

ESPECIAL CINE DE ARTES MARCIALES (2): IP MAN

Ayer comenzamos un Especial que durará hasta el estreno de “El Poder del Tai Chi”, o sea, una entrega más mañana y, si la memoria nos ayuda, a lo mejor una tercera recomendación. Porque queremos ante todo realizar recomendaciones para ver durante las próximas vacaciones de Semana Santa. Durante las fiestas, seguiremos hablando de las novedades que vayan saliendo al mercado doméstico, aunque lo vemos complicado, porque últimamente hay pocas cosas que sean verdaderamente significativas. En la primera entrega, hablamos sobre “Duelo de Dragones”, un film que no tiene solo algún que otro combate de artes marciales, que también es una poderosa historia de corte policíaco y un buen drama humano en el que hay presentes temas de la vida cotidiana. Hoy, nos alejamos un poco del realismo, y nos lanzamos de lleno al género Histórico, porque nuestra entrega de hoy versa sobre un personaje que existió de verdad, y al que conocemos precisamente  a las películas que se han hecho sobre él. Hablamos del que sería Maestro de Bruce Lee. Nos referimos a IP MAN.

Poco conocemos acerca de su vida personal. Se han hecho tres películas, que sepamos, sobre este personaje. La más reciente ha sido “The Grandmaster”, la última Obra Maestra de Wong Kar Wai. Pero hoy hablaremos de IP MAN, la cinta protagonizada por Donnie Yen, una de las mayores estrellas del cine de artes marciales de China. Según parece realizó una segunda entrega, pero esta aún no ha salido en nuestro mercado, y si lo ha hecho, actualmente se nos hace complicado encontrarla. Debemos situarnos en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, durante la invasión de China por parte de los Japoneses. Si hay alguien interesado en conocer las atrocidades cometidas por los nipones, recomendamos “Las Flores de la Guerra” de Zhang Yimou, una cinta cuyo valor cinematográfico reside precisamente en su importancia documental más que como obra relevante digna de pasar a los anales del séptimo arte.

Una vez ya situados en el contexto, nos sumergimos en una de las ciudades más conocidas por la afluencia de las escuelas de artes marciales. Los Maestros de estas escuelas disfrutaban haciendo exhibiciones, presumiendo ante el pueblo de los buenos luchadores que tenían. En esta ciudad vive IP MAN (Donnie Yen), que es sin duda, mejor luchador que todos los demás, pero su carácter y personalidad le convierten en un hombre querido y respetado. No le gusta presumir de nada ni mostrar sus habilidades. No quiere tener escuela ni discípulos, pues su mujer no aprueba que se sumerja en ese mundo, ya que teme que le hagan daño. El panorama de la guerra cambia las circunstancias. Pronto, IP MAN se ve así mismo en la tesitura de tomar una decisión bastante complicada: ganarse el sustento con el kung fu, o mendigando en las calles un empleo normal para que su esposa esté tranquila.

Una serie de circunstancias atenuantes obligan a IP MAN a convertirse en el Maestro de artes marciales que es, a mostrarlo a los demás, y es entonces cuando se ve obligado a luchar en una competición contra soldados japoneses. Aquí vemos la metáfora del enfrentamiento entre las dos naciones, y a IP MAN convertido en la esperanza de su país. Una gran película de artes marciales con trasfondo humanista.